CRLM Office: cine

Nos mudamos

2008-09-10T13:47:00.003+02:00

Hasta ahora este blog era tan sólo una de las secciones de www.crlmoffice.com, la sección de cine, así que ahora que la mencionada web se ha transformado precisamente en un blog ha llegado el momento de ponerle fin a éste y mudarnos al nuevo: www.crlm-office.blogspot.com

Igualmente, os recondamos la visita de los blogs de Manu Riquelme y Rubén Bautista, así como sus respectivos fotologs: "No es otro estúpido fotolog" y El Vengaflog. Y ya de paso, os presentamos "Que desidia", el fanzine de Manu.

ESTRENO DE "YOU NUNCA"

2008-06-30T23:23:00.004+02:00

No hagáis planes el próximo viernes 4 de julio porque el día de la independencia, a eso de las 21:00, tenéis una cita en La Nave espacio joven de Puente Tocinos. Allí estrenaremos "You Nunca", el nuevo cortometraje de Rubén Bautista, en el que intervengo como guionista y actor. Me acompañan en el reparto Alfonso Inchaurrandieta, Silvia Mínguez, Elena Marín y Gregorio Sabater. Bajo estas líneas, están el trailer y un plano de La Nave. ¡Os esperamos!.

Texto: Manu Riquelme

"EL TERRITORIO DE LA BESTIA": No pasaste de caimán

2008-06-12T11:32:00.003+02:00

El pasado año llegó a nuestras pantallas con un par de años de retraso, dicho sea de paso, una película que acaparó la atención de críticos y aficionados, incluido el mismísimo Tarantino, que hasta le reservó un pequeño guiño en su "Death Proof". Dicha película era "Wolf Creek", el debut como director del australiano Greg McLean, otra vuelta de tuerca a la manida fórmula de "La matanza de Texas". McLean no ha tardado en reincidir en el género y nos trae ahora "Rogue" (no confundir con la productora de cine), una monster movie con cocodrilo gigante de por medio. El director vuelve a su Australia natal, en donde un reportero, el televisivo Michael Vartan, se une a un grupo de turistas guiado por Radha Mitchell, la mamá de "Silent Hill", que sufrirá en sus carnes las consecuencias de adentrarse en el territorio de la bestia al que alude el título en castellano. Cintas sobre reptiles asesinos hay muchas. Quizá demasiadas. No deja de ser loable el intento de ésta por rehuir de los tópicos, aunque la sensación de dèjá vu se hace patente desde los primeros minutos hasta casi el final. Es justo entonces cuando el curso de los acontecimientos toma otro rumbo con el fin de ofrecernos la clásica resolución, a través de una perspectiva menos factible, pero mucho más épica y original. Algo así como lo que sucedía en "Wolf Creek", y es que, McLean repite como un autómata los fallos y virtudes de su ópera prima. Obviando ya el hándicap que supone lidiar con una propuesta que se remonta a "Tiburón", hay que reconocer que "El territorio de la bestia" consigue en cierta medida lo que se propone, o sea, entretener. Ya sea por la amena presentación de los personajes o simple curiosidad por saber cuál de ellos será el siguiente en formar parte del menú del simpático animal, la primera hora pasa en un abrir y cerrar de ojos. Buena parte del mérito radica en una envolvente fotografía de estética cercana al documental. Además, Greg McLean sabe dirigir y eso se nota, tanto en el uso del silencio como en el detalle de omitir los ataques y al propio monstruo, reservando su aparición para la confrontación final. El gore es bastante escaso, no obstante, sus resultones efectos especiales suplen la carencia de más víctimas. Una de cocodrilos, a la que le falta más arrojo y mala leche para poder situarse por encima de la media.

Texto: Manu Riquelme

"SWEENEY TODD: EL BARBERO DIABÓLICO DE LA CALLE FLEET": El aprobado más apurado de Burton

2008-05-26T09:51:00.005+02:00

Que Tim Burton se ha convertido en uno de los realizadores más personales e imaginativos de los últimos tiempos, es un hecho contrastado por los cientos de niñas góticas que lucen a Jack Skeleton en su bolso, elevándole a la categoría de icono del pop. Sin embargo, si escarbamos en su ya dilatada filmografía, nos daremos cuenta de que no es oro todo lo que reluce y hay títulos que no terminan de comulgar con su estilo. El batacazo de su segunda incursión en el cine más comercial (no olvidemos que estuvo detrás de los primeros "Batman") con "El planeta de los simios" le supuso un gran punto y aparte, pero supo reconciliarse con su público gracias a esa joya que es "Big Fish". Por desgracia, sufrió una recaída en "Charlie y la fábrica de chocolate", un intento frustrado de retomar su vena gamberra expuesta en "Mars Attacks!", que trató de redimir homenajeando a "Pesadilla antes de Navidad" en la descafeinada "La novia cadáver", la cual no deja de ser otra película de Walt Disney con calaveras. Está visto que, en el caso de Burton, cualquier tiempo pasado fue mejor y lejanas quedan ya obras maestras como "Eduardo manostijeras" o "Ed Wood". Por eso, cuando supe que en su próximo proyecto volvía a alejarse de la palabra remake para dar forma a este musical sobre las tropelías de un barbero asesino, hube de alegrarme porque la idea sonaba Burtoniana por todos lados. "Sweeney Todd" nos sitúa en el Londres de principios del siglo pasado, donde el barbero Benjamin Barker es alejado de su familia y condenado por un delito que no cometió. Quince años después, Barker regresa a la ciudad con el fin de vengarse del juez Turpin. Aquí encontramos el primer tropiezo del film. Burton no se corta un pelo cuando de abrir gargantas se trata, y deja correr la sangre a borbotones, sin reprimir su fanatismo por la Hammer tan presente en "Sleepy Hollow". En cambio, soluciona la escena del "secuestro" de la esposa de Barker, recurriendo a un sutil flashback, de una forma infantilona, casi mojigata. Si quieren que odiemos a alguien, no podemos omitir datos así, por las buenas. Alan Rickman está un poco desaprovechado, en ese sentido. Johnny Depp sustituye las tijeras por navajas de afeitar, en un papel que reafirma su condición de actor fetiche de Burton y le ha valido un merecido Globo de oro. Se agradece verle en una actuación más oscura y menos histriónica que las últimas. Helena Bonham Carter es el otro plato fuerte de la función. La actriz parece sacada directamente de alguna de las páginas de "La melancólica muerte de Chico ostra" y el personaje de Mrs. Lovett rebosa humor negro por los cuatro costados. En general, el reparto cumple y sorprende, tanto en su faceta interpretativa como vocal. Con todo, se echa de menos la buena mano de Danny Elfman. Hay breves destellos de genialidad que nos remiten al Burton más cruel como, por ejemplo, cuando Barker y Lovett se despachan a gusto con el clero y la burguesía londinense. No obstante, también asistimos a una de las secuencias más ñoñas y sonrojantes desde que la Disney se fue al garete. Estoy hablando del momento "I feel you Johanna" protagonizado por la pareja de mozalbetes, que bien podría haber sido eliminada en vista de la nula trascendencia que ambos tienen al final. Pero no cabe duda de que lo más flojo de la película es con diferencia el ritmo. Conste que a mí me gustan los musicales. Salvando las distancias, "La tienda de los horrores" de Frank Oz es un musical y su ritmo me parece envidiable. En manos de Burton, la estética está por encima de los acontecimientos. Está "tó atrezzao" (¿creíais que aquí os ibais a librar, muchachada?), la fotografía es preciosa, digna de anuncio navideño de colonia. Lo demás ya es otro cantar.

Texto: Manu Riquelme

"KM. 31": En ocasiones veo muermos

2008-04-03T01:14:00.004+02:00

La cartelera está sufriendo un revival tardío de remakes de cintas de terror japo, cuyos títulos originales ya de por sí eran fotocopias de la seminal "The Ring". A la revisión de "The Eye" ("Visiones"), para mayor lucimiento de Jessica Alba, se le suma ahora otra de "Llamada perdida" y en breve se nos avecina también la de "Shutter" ("Retratos del más allá"), con Joshua Jackson al frente. "Km. 31" no está basada en ninguna película oriental, cosa que ya de entrada es todo un logro, aunque aquí comienza y termina la lista de puntos a favor de esta modesta producción mejicana que ha gozado de cierta repercusión en su país de origen. La historia está inspirada en la leyenda de la chica de la curva y nos presenta a dos hermanas gemelas con una especie de conexión telepática entre ambas, que se verá truncada a causa de un trágico accidente (adivinen a qué altura de la carretera) ocasionado por la aparición de un misterioso niño. Al margen de que nos movemos dentro de unos parámetros donde innovar es prácticamente imposible, el director Rigoberto Castañeda nos da una lección sobre lo difícil que es encauzar un guión que hace aguas por todos lados, sin apenas diálogos, y al que le cuesta dios y ayuda arrancar. El film avanza en base a un desarrollo decididamente torpe, desaprovechando por completo su premisa, que desemboca en dos o tres sustos mal dados. La falta de ritmo no es el único lastre que arrastra "Km. 31", pues Castañeda se ha rodeado de un reparto un tanto limitado, en el que sólo se salva el español Adriá Collado, que hace lo posible por sacar a flote a su personaje, pero de donde no hay no se puede sacar. Los personajes (por decir algo) son clichés con patas, inmersos en una constante espiral de tópicos que parece no tener fin y abarca desde la chica que ve a los muertos hasta (¡oh, no!) el poli escéptico. En suma, "Km. 31" no es una propuesta sólida y está a años luz de competir con los estrenos arriba mencionados. Completamente prescindible y, lo que es peor, aburrida.

Texto: Manu Riquelme

"AHORA O NUNCA": Un telefilm a lo grande

2008-03-26T11:07:00.012+01:00

Pongamos a un par de enfermos terminales de cáncer en una misma habitación. No, no es ningún chiste. Uno de ellos es un hombre negro de clase media, padre de tres hijos, mientras que su compañero es un excéntrico multimillonario dueño de ese mismo hospital. Pongamos también que, en un arrebato filosófico introspectivo, el primero redacta una lista de cosas que le hubiese gustado realizar antes de morir y el otro no tiene otra cosa mejor que hacer que llevarla a la práctica junto a él. Aunque parezca mentira, tampoco es la sinopsis de aquel viejo episodio de "Los Simpsons" (bueno, sí), ni un telefilm de sobremesa, sino la última película de Jack Nicholson y Morgan Freeman. Cuando dos grandes de la interpretación se prestan a esto, algo falla. "Ahora o nunca" está dirigida por Rob Reiner, que otrora nos deleitó adaptando admirablemente a Stephen King en "Cuenta conmigo" y "Misery". El gran problema de su nuevo trabajo es que, visto el trailer, visto todo, ya que nos depara pocas o ninguna sorpresa hasta en el terreno interpretativo. Ambos actores están muy bien, no obstante, se limitan a hacer lo que se supone que uno espera que hagan en todo momento. Freeman representa la voz de la razón, un hombre de naturaleza reflexiva, demostrando una vez más que el tío hizo su agosto como narrador desde la genial "Cadena perpetua". Nicholson, por su parte, hace de Nicholson, un poco más contenido y menos sobreactuado que de costumbre, eso sí, pero Nicholson al fin y al cabo. Los dos se complementan a la perfección y hacen buena pareja cómica, pese a que el film juega la baza de combinar humor y drama equitativamente. Casi equitativamente, mejor dicho, porque, por desgracia, el drama se lleva la palma con situaciones la mar de recurrentes (crisis matrimoniales y reconciliaciones familiares) que tratan de activar la lágrima fácil en el espectador. Pero no todo van a ser disgustos. "Ahora o nunca" no llega a emocionar ni a hacernos reír en exceso y, sin embargo, nos mantiene entretenidos a lo largo de su hora y media de duración. Se nota que el bueno de Rob está curtido en la narración, a pesar de que la historia en sí es bastante lineal. Un telefilm en pantalla grande hecho por y para yayos.

Texto: Manu Riquelme

Las movidas de Subfilms (Marzo 2008)

2008-03-23T16:53:00.004+01:00

Un periodo de tiempo tan corto como dos meses dan para mucho cuando hablamos de las movidas de Naxo Fiol y es que el catálogo de trabajos de Subfilms no para de aumentar.

En este periodo de tiempo, aparte de poner fin a dos proyectos que habían ocupado gran parte de su tiempo en los últimos meses, Naxo, apoyado por sus colaboradores habituales, ha dado forma a dos nuevos cortos. Se trata de "Fernando ya tiene nofia", la nueva aventura del protagonista de "Fernando Project", y de "Happy Jack", cortometraje que documenta la reciente proyección de "El Buque Maldito" en Barcelona. En cuanto a los otros dos proyectos mencionados, no son otros que "Un poquito de slasher, por favor" y "El hombre perseguido por un madelman" (antes conocido como "El enigma del man"), que tras varios meses de trabajo ya están terminados, siendo dos trabajos bastante destacables por sus peculiaridades. Por un lado, "Un poquito de slasher, por favor" es un "homenaje abstracto al cine slasher, Harry el sucio, el giallo y los contundentes finales del valiente Hollywood de los años 70", mientras que "El hombre perseguido por un madelman" destaca por haber sido grabado en su totalidad con una minicámara de uso infantil. Además, después del proceso de revelado, ya está terminado el último corto grabado en Super 8 por Naxo Fiol, "Jeringuilla de alegrilla".

Con todo este nuevo material terminado, lo próximo en la agenda de Subfilms es la edición de un dvd recopilatorio, que llevará el nombre de "The Subfilms Experience 2" y se presentará en abril en el Salón del Cómic de Barcelona, igual que la nueva entrega del fanzine Suburbio, que alcanza su número 52.

Texto: Alfonso CRLM

"MONSTRUOSO": Cariño, he agrandado al proyecto de la bruja de Blair

2008-02-26T13:38:00.005+01:00

Una de dos, si no sabes de qué película estoy hablando, has estado criogenizado durante los últimos meses o, sencillamente, no tienes Internet. La campaña publicitaria de "Cloverfield" ha sido más viral y monstruosa si cabe que su título en nuestro país. El padre de la criatura es J.J. Abrams, artífice de la popular serie de TV "Perdidos", un tipo hábil donde los haya, que convierte en oro todo lo que toca (lo próximo es Star Trek) y sacó del tedio a la saga de "Misión imposible". Aun teniendo reciente el estreno de "Rec", ambas parten de una premisa sospechosamente parecida: unos jovenzuelos que graban en primicia el ataque de lo que parece ser un descomunal bicho en pleno centro de Nueva York. Visto así, "Monstruoso" podría considerarse un remake inconfeso de "Godzilla". El americano, claro está. No esperéis encontrar a un japo fondón, combatiendo cuerpo a cuerpo con Mothra y demás fauna, de manera que otakus, ni acercarse. No obstante, para alivio del personal, tampoco veremos cómo el vecino americano salva al mundo por enésima vez. Precisamente, lo mejor de un film de esta guisa es la lectura tan pesimista que nos ofrece. No hay ningún mensaje ecológico o sociopolítico oculto entre líneas, como en el caso de la fallida "The Host", y, sin embargo, tampoco puede decirse que esté vacía de contenido. "Monstruoso" se toma su tiempo en ponernos en situación, presentándonos a los personajes en su justa medida, algo de lo que adolecía la mencionada "Rec" y que funciona aquí como motor de la historia. Por un lado, está Rob, que emprenderá una búsqueda desesperada por salvar a su exnovia Beth de las garras del monstruo. Le acompañan, entre otros, su cuñada y su mejor amigo, en quien delega la función de reportero y, ya de paso, sirve de contrapeso cómico. Esta empatía ayuda a hacer partícipe al espectador del realismo de los hechos que ocurren en pantalla. Por supuesto, también descubrimos ciertas incongruencias en el guión, empezando por el propio cámara, que no suelta la misma ni para cagar, o esos bichejos que habitan el metro y cuya credibilidad deja mucho que desear. Volviendo al ámbito interpretativo, el reparto en general está bastante integrado, en especial, Lizzy Kaplan. El director Matt Reeves no deja títere con cabeza y, aunque no hay mucho donde rascar entre plano y plano secuencia, tanto la impresionante puesta en escena como el ritmo apabullante de los acontecimientos, compensan con creces sus mareantes movimientos de cámara. La ausencia de música hasta los créditos finales (el tema central de Michael Giachino es puro Godzilla) es otro punto a su favor. "Monstruoso" no es ni más ni menos que lo que es. Un blockbuster disfrazado, que no pasará a los anales de la historia del cine, pero nos brinda una escasa hora y cuarto de sano entretenimiento.

Texto: Manu Riquelme

"ALIENS VS PREDATOR 2": Réquiem por un buen crossover

2008-02-21T13:04:00.005+01:00

En una de mis anteriores críticas, explicaba el concepto de "what if". Ahora me toca hacer lo propio con el de "crossover". Básicamente, esto consiste en cruzar a dos personajes en una misma historia con el firme propósito de darse de ostias hasta en el carnet de identidad, algo que puede dar lugar a cosas tan divertidas como "Freddy contra Jason" o degenerar en despropósitos del calibre de este "Aliens VS Predator 2". A mi derecha, con una saga por la que han desfilado nombres de la talla de Ridley Scott, James Cameron, David Fincher y Jean-Pierre Jeunet, tenemos a todo un clásico de la ciencia ficción: el mismísimo Alien. A mi izquierda, con un par de películas más que aceptables, está otro peso pesado: Depredador. Si creíais que no hay nada más feo que un Alien, estábais equivocados o no conocíais a los Predaliens, una nueva raza que pretende incubar a sus crías en seres humanos. El combate está servido, con el aliciente de que esta vez la batalla se libra en la tierra. Concretamente, en el eterno pueblo norteamericano al que sólo le falta la doctora Quinn para acabar de ser igual que un telefilm de sobremesa de Antena 3. El resultado es un KO absoluto del espectador desde el primer asalto. Decir que los personajes son planos es quedarse corto, ya que son un esbozo de estereotipos que se convierten en improvisados marines a la primera de cambio. No falta una doble de Ripley venida a menos, ni la niña repelente de turno, como no podía ser menos. Los hermanos Strause (su madre se quedó a gusto) retoman el primer film y lo hacen con un guión prácticamente inexistente, en el que prima por encima de todo la confrontación entre Aliens y Predator. Es más, duele saber que detrás de esto hay algún productor ocioso, a quien le es indiferente si los que se miden el lomo son estos dos, Freddy versus Jason o Mercedes Milá contra el vaquero de Marlboro. La pega es que, cuando por fin se ven las caras, el tan ansiado enfrentamiento se resuelve de manera precipitada y sin un ápice de emoción. A los alienígenas más icónicos del séptimo arte (con permiso de E.T.) les viene pequeño este subproducto que podría pasar perfectamente por serie B, de no ser por el presupuesto de sus FX. No es para menos, teniendo en cuenta que los responsables eran técnicos de efectos especiales hasta hace bien poco. Eso lo explica todo. Un sinsentido dirigido a pajilleros matamarcianos con una videoconsola por cerebro.

Texto: Manu Riquelme

"30 DÍAS DE OSCURIDAD": Nada nuevo bajo el sol

2008-02-18T22:17:00.009+01:00

Barrow es un pequeño pueblo al norte de Alaska, donde el sol no se pone durante la friolera de un mes, haciendo del lugar un restaurante de comida rápida para la plaga de vampiros que merodea por los alrededores. Éste es el prometedor punto de partida de "30 days of night", película que comparte título en castellano (de ahí el cambio) con la curiosa "Frostbitten". "30 días de oscuridad" está inspirada en el cómic de Steve Niles y parecía ser una digna película de vampiros, muy por encima de lo que viene produciendo Sam Raimi (me remito a "Boogeyman" o "El grito") últimamente. Pero, a pesar de que los tres son copulativos: ser, estar y parecer son verbos muy distintos entre sí. Resulta intrigante que el director David Slade pase de hacer algo tan interesante como "Hard Candy", que apela al terror psicológico sin necesidad de derramar una gota de sangre, a esta hemorragia de escenas gratuitas y salpicada de sustos fáciles. Supongo que la pela es la pela. Vale que son ideas diferentes y, por extensión, también lo es su planteamiento, sin embargo, no deja de tener coña adivinar que la trituradora que vemos al principio está puesta ahí a caso hecho, porque alguien tiene que acabar dentro obligatoriamente. Slade pone las cartas sobre la mesa, apoyándose en una fotografía que es lo más destacable del film, y logra mantener el ritmo hasta bien entrado el segundo acto, el cual no tarda en tomar los derroteros propios de un survival, explorado ya en infinidad de cintas habitualmente regentadas por muertos vivientes. Como adaptación, es bastante fidedigna y suprime alguna que otra subtrama innecesaria, dotando a la pareja principal de mayor dimensión que en las viñetas. El guaperas Josh Hartnett cumple de sobras, aunque no termina de dar el perfil de sheriff, y Melissa George se está labrando toda una carrera dentro del género tras "Turistas" y "La morada del miedo". Los chupasangres capitaneados por Danny Huston no salen mucho mejor parados y me atrevería a decir que los dibujados por Ben Templesmith son más carismáticos, pese a que el maquillaje está tan logrado que incluso tenemos a la réplica femenina de Marilyn Manson. Los demás personajes aparecen y desaparecen a su antojo, como en el caso del compañero de Hartnett, al igual que el tiempo pasa de cualquier manera. Me hubiese gustado ver al abuelo después de los créditos, preguntando por su esposa, a lo "Jóvenes ocultos". Por desgracia, el sentido del humor no abunda en los gélidos parajes de Barrow. Otra de tantas películas que pudieron haber sido y no fueron.

Texto: Manu Riquelme

"LOS CRÍMENES DE OXFORD": No es otro estúpido Código Da Vinci

2008-02-11T02:06:00.000+01:00

El público español ha recibido el último trabajo de Álex de la Iglesia con una respuesta un tanto tibia, tirando a fría. Todo se reduce a una simple cuestión de expectativas. El espectador medio y poco curtido en el arte del diálogo entra a la sala confiado en que "Los crímenes de Oxford" es otro thriller amparado en la fórmula de los best sellers de misterio, mientras que los seguidores del director vasco deseamos ver extrapolado su esperpéntico humor a la industria hollywoodiense. Ni sí, ni no, ni todo lo contrario. No he leído la novela de Guillermo Martínez que da título a la película, así que no puedo juzgarla en términos de adaptación. Tampoco puedo ocultar mi más profunda devoción por de la Iglesia, ya que me parece con mucho el realizador más personal e inteligente que el nuevo cine español ha dado de sí. No obstante, cuando analizamos su cada vez más poblada filmografía, a veces olvidamos que no es la primera vez que el autor de las geniales "El día de la bestia" y "Muertos de risa" se va a hacer las Américas y obviamos que en "Perdita Durango" se desmarcó de su faceta más gamberra. Es evidente que Álex de la Iglesia ha madurado, cinematográficamente hablando, hasta el extremo de afrontar el reto de abordar este encargo con una factura inmejorable. Me remito a los brillantes flashbacks o a ese plano secuencia que recorre las calles donde, uno por uno, se disponen los sospechosos a modo de piezas de un tablero, como si de una gran partida de Cluedo se tratara. "Los crímenes de Oxford" nos presenta a Martin, un joven aspirante a matemático, defensor a ultranza del azar, que se hospeda en casa de una vieja amiga del profesor Arthur Seldom, fundamentalista de la lógica, con el fin de que éste le supervise en su tesis. Esta confrontación ideológica desemboca en una serie de asesinatos cuyo denominador común es la arbitrariedad de sus víctimas. Las hipótesis se suceden. John Hurt brilla con luz propia en el papel de Seldom y resulta tan convincente en su discurso que nos creemos todas y cada una de las palabras que emergen de su boca, frente a un correcto Elijah Wood tratando de quitarse el sambenito de Frodo como buenamente puede. En medio de todo está el personaje florero de Leonor Watling, que se limita a enseñar cacho (no seré yo quien se queje) y poco más, pero falta química entre ella y Wood. Sea como sea, su rol es crucial en este triángulo amoroso para ilustrar la obsesión que roza la homosexualidad reprimida del protagonista por Seldom, y queda patente en escenas cargadas de simbolismo como la del aeropuerto. Pasando por alto sus defectos (que haberlos los hay) y centrándonos en sus virtudes, es insultantemente obvio que "Los crímenes de Oxford" es de lejos el film menos reconocible de Álex de la Iglesia. Pero también es un ejercicio bien resuelto en sentido homenaje al maestro Hitchcock (la sombra de Bernard Herrmann es alargada en la partitura compuesta por Roque Baños) y un punto de inflexión decisivo en la carrera del cineasta.

Texto: Manu Riquelme

"ARMA FATAL": Police party

2008-02-09T01:43:00.000+01:00

Después de los zombies, les llega el turno a los polis. Hace cuatro años, una modesta cinta británica llamada "Zombies Party (Shaun of the dead)" sorprendía gratamente a propios y extraños tanto por su pasmoso dominio del género como por el buen hacer de su director, revelándose así como película de culto instantánea. Esta vez, Edward Wright vuelve a ponerse tras la cámara para arremeter contra las habituales fantasmadas del cine de acción, policíaco o "de colegas". Y vaya que si lo hace. Tenemos persecuciones, tiroteos y confraternidad a partes iguales, eso sí, todo ello fundamentado en un sentido del humor que se debate entre lo macabro y típicamente inglés, sin nada que envidiar a los mejores Monty Phyton. Además de firmar el guión, Simon Pegg interpreta a Nicholas Angel, un intrépido agente de policía londinense cuya desmesurada eficiencia le vale un ascenso a sargento, bajo la condición de trasladarse a un recóndito y apacible pueblo en mitad del campo. Allí conoce al que será su compañero de fatigas, Danny, hijo del inspector e incondicional de títulos como "Le llaman Bodhi" y "Bad Boys 2". Juntos descubrirán que un asesino en serie anda suelto sembrando el pánico entre los lugareños. Wright sigue en su línea, flirteando con el gore y haciendo buen uso de los encadenados y transiciones, cosa que se ve reforzada por un montaje sobresaliente y aporta mucha fluidez a la trama. Porque la hay. No os engañéis, a diferencia de la enésima parodia yanqui, "Arma fatal" no se basa en una mera sucesión de gags a costa de otros films del mismo estilo, sino que toma prestados sus convencionalismos, inteligentemente reciclados al servicio de unos personajes entrañables. Al igual que en "Zombies Party", el arma secreta del film reside en su casting (atención al cameo de Peter Jackson), encabezado por los simpáticos Pegg y Nick Frost, quienes posiblemente sean la pareja con mayor vis cómica desde Laurel y Hardy. Pese a que su larga duración se tambalea un poco durante el apoteósico final, ya quisieran los americanos y sus "Scary movies" o "Meet the spartans" acercarse siquiera a la inventiva de "Arma fatal".

Texto: Manu Riquelme

"NEGRA NAVIDAD": Dos velas negras

2008-01-31T12:22:00.000+01:00

El cine de terror teen está en coma irreversible, pidiendo a gritos renovarse o morir. Desde la triunfal trilogía de "Scream", podría contar con los dedos de una mano (y me sobran) las películas que han igualado a ésta en lo que respecta a calidad. Desafortunadamente, "Negra navidad" no es la excepción que confirma la regla. Basada en una rareza dirigida por Bob Clark ("Porky's") allá por los setenta, nos encontramos con uno de esos remakes que no tienen absolutamente nada en común con su homónimo, salvo el título y que ambos se desarrollan en navidad, lo cual se agradece siempre y cuando el resultado no sea un bodrio de semejante magnitud. El reparto lo integran caras televisivas como las de Michelle Trachtenberg (la dulce hermanita de "Buffy, la cazavampiros"), Oliver Hudson (visto en "Dawson crece") y Mary Elizabeth Winstead, quien repite a las órdenes de Glen Morgan, guionista de la divertida saga de "Destino final". Lo primero que sorprende de esta "Negra navidad" es su total ausencia de humor, algo inconcebible dada su premisa. Billy es un joven que crece atormentado por los constantes maltratos de su madre y a la sombra de su hermana, hasta que la noche de navidad decide zampárselas en forma de galletas, al calor del hogar. Años más tarde, durante el aniversario de la muerte de su familia (casualidades de la vida), Billy huye de la celda de máxima seguridad donde está encerrado, sirviéndose de un bastoncillo de caramelo como arma homicida, y vuelve a casa vuelve por navidad cual indigesto turrón. Al mismo tiempo, su casa se ha convertido en un improvisado picadero para la hermandad femenina que allí se congrega. Todo esto se nos cuenta de manera atropellada, por medio de flashbacks, que llaman al desconcierto y no hacen sino más que entorpecer la narración en su intento por disuadir al espectador de la tramposa identidad del asesino. Morgan pone todo su empeño en distanciarse de la cinta original y lo consigue, para bien y para mal, tratando de justificar el odio de Billy hacia Santa Claus y eliminando así de un plumazo el elemento suspense. Para cuando empieza la acción, uno ya está cansado de contemplar este catálogo de muertes absurdas, que incluye estalactitas asesinas y árboles que atraviesan torsos humanos. "Negra navidad" es un film que va de más a menos, cuyo interés es equiparable al del mensaje del Rey en nochebuena. Por si fuera poco, parece ser que la película ha sido censurada hasta la saciedad en nuestro país, así que ya ni eso queda. Si Hollywood sigue nutriéndose de revisitar clásicos como éste o "Prom night", más nos vale que sus guionistas sigan en huelga indefinida por mucho tiempo.

Texto: Manu Riquelme

"HALLOWEEN: EL ORIGEN": El what if de Rob Zombie

2008-01-12T03:10:00.000+01:00

Un "what if" es el nombre que en cómic recibe una historia cuyos protagonistas suelen estar descontextualizados, algo que vulgarmente se conoce como paja mental y que permite a las editoriales hacer coexistir en universos paralelos a personajes tan dispares como Tarzán y Batman. A caballo entre la precuela y el remake, "Halloween: el origen" viene a ser lo mismo. Muchos fueron los puristas que, no sin razón, pusieron el grito en el cielo desde que se anunció el rodaje de esta polémica cinta. "Halloween" de John Carpenter, sentó las bases del género slasher, consagrando a una pipiola Jamie Lee Curtis como indiscutible scream queen por excelencia y perpetuando sagas de la calaña de "Viernes 13" o la propia "Halloween". Es por ello que la idea de un remake parecía innecesaria a estas alturas y la elección de Rob Zombie tampoco se antojaba la más acertada. ¿O sí?. Hay remakes y remakes. Hay remakes tales como el de "Psicosis" o "La profecía", que se limitan a fotocopiar plano por plano sus originales, y otros como los de "La matanza de Texas" y "Amanecer de los muertos", que redefinen el concepto de remake. Zombie nos da una de cal y otra de arena. Contra todo pronóstico, la parte de la precuela le hace justicia a Michael Myers sin desvirtuarle mucho más que "Halloween: resurrección" u otras tantas secuelas de la devaluada saga. El autor de "Los renegados del diablo" se toma licencias tan notorias como vestir al joven Mickey con una camiseta de los Kiss o convertir a su madre (su esposa Sheri Moon Zombie) en bailarina de striptease, y nos presenta a un Myers sometido a los abusos del bullying y de una familia desestructurada. Así pues, se pierde buena parte de la inteligente omisión de datos de Carpenter, que llevaba un buen día a Michael a empuñar un cuchillo y matar a su hermana sin razón aparente, más allá de la irracionalidad de su persona. El asesino de la máscara blanca no es la única víctima de esta humanización y, pese a ser buen actor, Malcom McDowell tampoco está a la altura de las circunstancias a la hora de resucitar al entrañable Dr. Loomis del difunto Donald Pleasence. Por su parte, Laurie Strode (Scout Taylor-Compton) ha dejado de ser una rata de biblioteca para codearse con Kristina Klebe, quien tiene un par de razones para tomar el relevo de PJ Soles, y con la que fuera sobrina de Myers en dos entregas de la serie, Danielle Harris. En ese sentido, el film cuenta con un apetitoso elenco de secundarios de la talla de Brad Dourif (la voz de Chucky) o Dee Wallace (la madre de E.T), aunque la presencia de muchos de ellos se reduce a poco más que un cameo, como en el caso de Udo Kier (el José Luis Moreno del terror basura), Sid Haig (visto en anteriores trabajos de Zombie) y Danny "Machete" Trejo, cuyo personaje es un tanto prescindible. El gran problema de este nuevo Halloween no radica en su origen, sino en el remake. Basándonos, por ejemplo, en la secuencia de la fuga del psiquiátrico en ambas versiones, la setentera nos ofrece una visión más sobrecogedora a través de los internos que avanzan entre la niebla y en la moderna, sin embargo, el gigantesco Tyler Mane rompiendo las cadenas es digno de un videoclip del tema "Superbeast" de Rob Zombie. Llegados a este punto, se suceden las escenas a su manera, esto es, con más sangre, más muertos, más desnudos gratuitos y un ritmo bastante menos pausado que al que nos tiene acostumbrados Carpenter. Zombie se dedica a reproducir elementos de aquí y allá, subsanando pequeñas incongruencias del guión original, como el hecho de que Myers tuviera el carnet de conducir, y también justifica su fetichismo por la mítica máscara del Capitán Kirk. Por otro lado, el tramo final está alargado incomprensiblemente (dos horas quizá son excesivas) en detrimento de la insensibilidad de Myers. En cualquier caso, "Halloween: el origen" irritará a unos y entusiasmará a otros, pero a buen seguro que no dejará indiferente a ningún fan. Algo es algo.

Texto: Manu Riquelme

"BEOWULF": Épica infográfica

2008-01-09T12:23:00.000+01:00

Hace unos años, el casposo Christopher Lambert protagonizó una adaptación cinematográfica de este poema anglosajón que pasó desapercibida por la cartelera sin pena ni gloria. Ahora es Robert Zemeckis, el alumno aventajado de Spielberg, quien nos presenta su versión definitiva en forma de blockbuster, aderezado con los pertinentes efectos especiales de rigor en el moderno cine de aventuras. El director de la trilogía de "Regreso al futuro" y "Forrest Gump" parece haberle cogido el gustillo a esto del CGI tras "Polar Express", y los resultados en "Beowulf" son cuanto menos impresionantes, alcanzando sus más altas cotas de espectacularidad en el campo de batalla, en donde el grueso de planos son imposibles sin el uso de captura de movimiento. Bien es verdad que en determinados momentos da la sensación de estar asistiendo a una presentación de algún videojuego de la Playstation pero, tan pronto como el ojo se acostumbra, cuesta diferenciar dónde empieza el actor real y dónde acaba su personaje. Tal es el caso de Anthony Hopkins, John Malkovich o el propio Beowulf, cuya réplica en carne y hueso poco o nada tiene que ver en cuanto a su escultural físico se refiere. Al otro extremo se sitúa el cacareado desnudo de Angelina Jolie, que según dicen ruborizó a la explosiva actriz el día del estreno y no es para menos. Hasta Crispin Glover se trae cierto aire bajo la piel del monstruo Grendel. "Beowulf" está escrita por Roger Avary (colaborador habitual de Tarantino) y el afamado guionista de cómics Neil Gaiman, y eso se nota tanto en los numerosos diálogos como en la oscuridad que rezuma el film cuando nos habla de héroes que se transforman en antihéroes, movidos por la codicia y los más bajos instintos de la condición humana. Así, nos hallamos ante una película de animación en tres dimensiones más adulta que la media, no exenta de humor, dividida en dos partes claramente diferenciadas. La primera sale airosa, mientras que en la segunda el ritmo decae considerablemente hasta la trepidante persecución a lomos del dragón. No he visto el "Beowulf" de Christopher Lambert, pero estoy convencido de que el de Zemeckis tardará bastante más en quedarse obsoleto.

Texto: Manu Riquelme

"REC": El proyecto de Balagueró y Plaza

2008-01-09T02:02:00.000+01:00

Las comparaciones, aunque odiosas, son inevitables y resta decir que el referente más inmediato de "Rec" es "El proyecto de la bruja de Blair" (y "Holocausto caníbal", echando la vista atrás). Para empezar, ambas cintas son de corte documental y están dirigidas por sendos realizadores. En el caso de "Rec", este tándem lo componen Jaume Balagueró y Paco Plaza. Balagueró ya se ha hecho un nombre dentro del género con una filmografía un tanto irregular, mientras que a Plaza le conocíamos gracias a su estudio de la figura del psychokiller en el libro "Asesinos de cine", así como por firmar el mejor episodio de la serie "Películas para no dormir". Si "El proyecto de la bruja de Blair" se nos presentaba como un documento, "Rec" nos invita directamente a ser testigos presenciales de un experimento, cámara en mano, a tiempo real y desde otra perspectiva: en primera persona. El guión (si es que lo hubo) se desarrolla la misma noche en un bloque de pisos de Barcelona, donde se alerta a los bomberos de que una anciana se ha quedado encerrada en su casa. De esta manera, lo que prometía ser una tranquila jornada de trabajo se convierte en un auténtico survival zombie para el equipo de televisión local que les acompaña. En el plano interpretativo, se agradece la presencia de rostros poco conocidos (cabe destacar a la pareja de vejetes), que confieren un halo de credibilidad al conjunto, sobre todo durante los primeros minutos. Otros, sin embargo, no logran transmitirnos esa sensación de realismo y son totalmente anticlimáticos, como en el caso del poli. La presentadora de 40 TV, Manuela Velasco, no lo hace mal, pero sus ataques de histeria terminan por sacar de quicio a cualquiera (no me gustaría estar en el pellejo del sufrido Pablo) y la pobreza de su personaje tampoco ayuda. Esto último sorprende porque "Rec" se jacta de ser una experiencia antes que una película y, como tal, cumple su cometido al igual que cualquier tren de la bruja que se precie. Asustar, asusta. Ahora bien, no deja de ser chocante la forma en que está resuelto el final, abusando de los mismos tópicos y concesiones al espectador que lo emparientan con cualquier otro producto de estas características al uso. Una lástima porque el clímax está muy conseguido (mención aparte para la criatura que nos recuerda a la de "Frágiles") y, de haber sido así toda la cinta, el resultado hubiese sido mucho más escalofriante. Con todo, "Rec" está dirigida con buen pulso (no va con segundas) y su sentido del humor contribuye a que el visionado sea más llevadero de lo que puede parecer en un principio. Un soplo de aire fresco para el cine español, que ha generado su inevitable remake antes incluso de su estreno, y que ha abierto la veda a un sinfín de propuestas de formato similar como "Monstruoso" (los traductores lo han vuelto a hacer), la monster movie del creador de "Perdidos"; "El diario de los muertos", lo nuevo de Romero; y "The Poughkeepsie Tapes", película en la onda de "Hostel".

Texto: Manu Riquelme

Las movidas de Subfilms (Enero 2008)

2008-01-07T22:35:00.000+01:00

Como ya anticipamos el pasado mes de octubre, durante la Maratón de Cine Fantástico y de Terror de Cotxeres de Sants se estrenó "Cuentos de terror (sin sangre)", obra conjunta realizada bajo la denominación de Three Skulls Video por Naxo Fiol, Aratz Juanes y Víctor Olid, de 65 minutos de duración. Además, Víctor Olid se ha currado una edición casera en dvd con extras incluidos. También en la Maratón de Cotxeres, los mencionados aprovecharon para grabar la quinta entrega de su serie "Reputación Inmaculada".

Otros cortos ya terminados, de los que podéis ver su correspondiente ficha en la web de Subfilms, son "La fiebre de las casetas" y "Espera a la espora", grabados ambos por Naxo Fiol en solitario. Por otra parte, Naxo también ha terminado recientemente el corto titulado "Jeringuilla de alegrilla", rodado en super 8 y está a la espera de que vuelva revelado del laboratorio.

En cuanto a cortometrajes en proceso de rodaje, sigue en marcha el de "Un poquito de slasher, por favor" y recientemente ha comenzado a rodar un nuevo corto que llevará el título de "El enigma del man", que tiene la peculiaridad de que se está rodando con una minicámara especial, de la cual podéis conocer más datos en la web de Subfilms.

Por último, Naxo sigue escribiendo artículos para el Suburbio nº 52, a la vez que escribe sendas colaboraciones para los fanzines "Amazing Monsters" y "Aceite de Ricino".

Texto: Alfonso CRLM

Más info:
www.subweb.es

BEOWULF. La arriesgada apuesta de Zemeckis.

2007-11-28T11:59:00.001+01:00

Angelina, prácticamente real

Si en “Polar Express”, Robert Zemeckis hizo uso del CGI para multiplicar a Tom Hanks en un alarde de diversión y entretenimiento para toda la familia sin más pretensiones que el disfrute, con su nueva película va un paso más allá. Al director de “Regreso al futuro” le sigue interesando la tecnología y lo demuestra en “Beowulf” retratando personajes prácticamente calcados (al menos en lo que a rasgos faciales se refiere), a sus homólogos en carne y hueso. Tanto el idealizado Ray Winstone (a saber qué conserva del actor real, porque el cuerpo desde luego que no) como el perjudicado Anthony Hopkins y el desquiciado (y desquiciante a la vez que simpatético) Crispin Glover, resultan sorprendentemente verosímiles, la ambientación es perfecta y la música sublime. Aunque cuando digo que Zemeckis va más allá, me refiero en el terreno narrativo. La película no es épica en sí misma y apela por tanto a la decadencia de los héroes, los demonios (tanto físicos como psicológicos) y la moral. Por tanto, estamos ante una propuesta nunca antes vista, que se atreve a mantener a personajes digitales hablando durante minutos y minutos (unas veces se agradecen más que otras). Esto gustará a muchos (como es mi caso) y decepcionará a otros (como es el caso del 78% del resto de espectadores), que esperan acción a raudales y espectacularidad por un tubo.

Aunque no nos engañemos, hay acción, si bien no es necesariamente espectacular pero coreografiada con sentido del humor y divertimento. No obstante, lo que más llama la atención del film es la pretensión evocadora de Zemeckis y el halo de tristeza que envuelve la cinta más madura de la animación digital contemporánea.

PD: Un consejo, absteneros de ver la película en 3D, al menos si sois de Murcia. Como era de esperar, por levante todavía estamos atrasados en este aspecto y más vale contemplar el espectáculo como fue concebido y no con cierto efecto de profundidad pero su fotografía solapada por unas rudimentarias gafas de sol.

Texto: Rubén Bautista

"SILENCIO DESDE EL MAL": Made in hell

2007-11-19T18:34:00.000+01:00

Los muñecos son una fuente de inspiración inagotable dentro del cine de terror. Desde el inquietante payaso de "Poltergeist" (remake en marcha, snif!), pasando por el célebre Chucky o los "Juguetes asesinos" de Charles Band, hasta llegar al mismísimo Pinocho en "La venganza de Pinocho"; todos ellos le han hecho la vida imposible a sus sufridos propietarios. El australiano James Wan ya dio muestras de su gusto por los muñecos a través de Jigsaw (atentos aquí a su "cameo") en la prolífica saga de "Saw" y ahora hace lo propio, aportando su granito de arena a este subgénero de la mano del misterioso Billy, pariente lejano del presidente del gobierno. "Silencio desde el mal" (una vez más, los traductores se han quedado a gusto), cuenta la leyenda de Mary Shaw, una anciana ventrílocua sin más descendencia que la de sus propios muñecos, muerta en trágicas circunstancias y que tiene la fea costumbre de arrancar la lengua de cuajo a todo aquel incauto que ose gritar en su presencia. Con tan prometedora premisa, la película arranca por medio de una escena muy similar a la del principio de "The Ring" presentándonos, topicazo a topicazo, la clásica historia del hombre que vuelve a su pueblo natal buscando respuestas tras el asesinato de su esposa. Ni qué decir tiene que la policía no se lo pondrá nada fácil (el personaje de Donnie Whalberg es de juzgado de guardia) y tampoco falta la vieja loca que sabe más de lo que aparenta. En ese sentido, también cabe destacar al actor Bob Gunton en un papel secundario. Wan dirige con oficio y parece haber aparcado un poco su faceta más efectista, dejando de lado la estética videoclipera, sin renunciar a muchas de las constantes de su cine que apuntaba en su anterior trabajo. Por ejemplo, el uso de los flashbacks o un giro final en la línea de "Saw", que es lo que consigue salvar en gran medida la función. Otro de sus aciertos es la hábil combinación entre los silencios y la música compuesta por Charlie Clouser (da gusto oír algo suyo que no sea el leif motiv machacón de "Saw"), exmiembro del grupo Nine Inch Nails. El punto negativo se lo lleva el abuso de efectos especiales, y es que, parece mentira que la industria no aprenda de cosas como "La guarida" y no se den cuenta de que las mejores secuencias son las que no están retocadas digitalmente. Véase la del desván o cualquiera de los flashbacks, en especial, el del niño en la funeraria. Lo que es innegable es que James Wan tiene una gran facilidad de crear mitos del terror contemporáneo más o menos resultones (no es muy difícil imaginar otra retahíla de secuelas de este "Dead Silence"). Eso, viniendo de un tipo que podría haberse encasillado a costa de seguir dirigiendo "Saw" y, sin embargo, ha preferido ofrecernos un humilde cuento de fantasmas de los de toda la vida, dice mucho de él.

Texto: Manu Riquelme

"LA PARADA" en TELEVISIÓN MURCIANA

2007-11-18T18:30:00.000+01:00

El año pasado ya estuve en el programa "Frame a frame", de Televisión Murciana, presentando "Y cuaaando...???", lo cual fue una notable experiencia, pues (a pesar de lo que muchos piensen) todo ello sirve como mínimo para dar a conocer tu obra más allá de Internet (sobre todo cuando llevas tus trabajos a ciertos lugares de los cuales no vuelves a tener noticias para la proyección que tú solicitas). En fin, con esta nueva andadura del programa se cambia el rostro de la presentadora, Silvia sustituye a Cuqui, y se añaden algunas otras novedades que ya veréis este martes. Ya sabéis, MARTES a las 22 HORAS en TELEVISION MURCIANA. ¡No me falléis!

Abajo os dejo un aperitivo que también podréis ver en el programa, el trailer.

Texto: Rubén Bautista

"SAW IV": La misma mierda con distinto olor

2007-11-17T13:33:00.001+01:00

La saga de "Saw" necesita una transfusión urgente. Sangre nueva. Bueno, de sangre la verdad es que anda sobrada. Basta con ver el prólogo de "Saw IV", durante el cual asistimos a la autopsia de Jigsaw con todo lujo de detalles, y digo yo "¿para qué coño practicarle la autopsia a un asesino en serie que ha sido brutalmente degollado?". Éste es sólo uno de los muchos ejemplos de la suerte de despropósitos que constituyen esta cuarta entrega, más cercana ya a una serie de televisión que a una película propiamente dicha, cuyo único interés se basa en un final cada vez más rebuscado y menos original. Sin ir más lejos, en este caso se trata de un pastiche compuesto a base de retazos de las dos primeras partes. Me pregunto si el bueno de James Wan (responsable de la original y director de la recién estrenada "Silencio desde el mal") será consciente del chiste privado al que se ha visto reducida su obra. Un chiste incomprensible para el espectador medio, dado que hay que tener muy reciente "Saw III" si queremos pillar la mitad de las cosas de su continuación. Conste que, hasta ahora, a mí esta trilogía me parecía decente e incluso entretenida pero, si bien la muerte de Jigsaw a priori suponía un agravante, aquí se nos confirma que no hay nada que hacer sin el carismático personaje interpretado por Tobin Bell. En realidad, lo mejor de la cinta son los flashbacks (hay tantos...) protagonizados por él. El resto de personajes, a cada cual más estereotipado, son peones mal definidos y peor conducidos que entran y salen de la trama como Pedro por su casa, a merced de una narración caótica. El tal Darren Lynn Bousman debía estar medicándose cuando la dirigió. Al final uno no sabe si lo que está viendo es pasado, presente, futuro o un flashback del flashback. Un puzzle, a fin de cuentas, mal construido que deja más cabos sueltos de los que ata y poca o ninguna gana de ver "Saw V".

Texto: Manu Riquelme

"SILENCIO DESDE EL MAL" ¡Aparta Chucky, que llega Billy!

2007-11-13T20:31:00.000+01:00

¡¿POR QUÉ NO TE CALLAS?!

¿Os acordáis de aquellos Goblins azules (los había también de otros colores, pero mi imaginación retuvo el azul) que vendían en El Corte Inglés, de látex chungo a los que, además de la boca se les podía mover los ojos? Me fascinaban. De esta fascinación supongo que se embriagaría James Wan (creador de “Saw”, ¿porqué la mala malísima de esta peli se llamará Mary Shaw?) para abordar su nueva película “Dead silence” (o como aquí la han llamado, “Silencio desde el mal”, aunque la que yo haya visto se tradujera como “Silencio total”, en fin…). Con un inicio más propio de la saga “The ring”, es decir, a la velocidad del sonido, la película tiene en su falta de pretensión su mayor baza. Un excepcional uso del sonido, cierta sutileza en algunas secuencias y el uso de la vistosa imaginería propia de los ventrílocuos hacen que en sus primeros 45 minutos incluso la historia puede resultar medianamente atractiva por su inmediatez (si bien se ahorran explicaciones de guión con un: “Te acuerdas de nuestro pueblo natal…etc”) y recurrencia a la leyenda, lo cual (al menos a mi) siempre me resulta sugestivo y cuanto menos entretenido. Incluso tiene aciertos visuales de terror sutil bastante prometedores (ese hotel con luz de neon parpadeante, por ejemplo) si bien su argumento, conforme avanza, se promete cada vez menos prometedor.

Psycho-Mary Carmen y su muñeco

Así, todos los excesos formales que se apuntan levemente al comienzo, van aumentando conforme avanza la película para desgracia de todos. Tan solo un brillante flashback en su mitad consigue mantener el interés y dotar a la historia de un aroma a terrorífico cuento infantil, lo que se va freir monas con personajes como el del policía (interpretado por Donnie Whalberg, el hermanito de Marki Mark quien se pegaba un tiro en “El sexto sentido”), tópico, manido, caricaturesco hasta el límite en un discurso con poco o ningún humor, si bien el desenlace se basa en una sencilla broma que todos en algún momento hemos pensado.Así, tras aguantar una hora y media de irregular cine, Wan nos sorprende con una vuelta de tuerca no tan sorprendente pero sí simpática, dejando lagunas insondables y haciéndonos sentir que esto no es más que “Muñeco diabólico” tomado en serio.Todo esto me lleva a una pregunta: ¿Porqué abusar de sustos fáciles digitales cuando la citada secuencia en el hotel da mucho más miedo con solo la insinuación, una buena luz y el buen uso del silencio?. Espero respuestas señor Wan.

Texto: Rubén Bautista

"CASSANDRA´S DREAM". Pesadilla para impacientes

2007-11-13T11:14:00.000+01:00

Con “El sueño de Cassandra” (O “Cassandra´s dream”, que uno ya no sabe como llamarla), Woody Allen pretende volver a los terrenos explorados en películas como la excepcional “Delitos y faltas” o incluso en “Match Point”. La historia extrae los momentos finales de esta última para desarrollarlos de manera más profunda en este drama concesionalmente trágico de dos ambiciosos hermanos incapaces de apuntar más alto de lo que les permite su propia mediocridad. McGregor y Farell cumplen (uno mejor que otro, adivinad) con sus roles y la historia resulta interesante, aunque quizá demasiado reiterativa y con pulso débil, automático y sin garra. El film posee una lentitud y sutileza que puede convertirse en una auténtica pesadilla para los más impacientes, aquellos que esperen crimen a lo "C.S.I." o bromas al estilo de "Scoop". Olvidadlo.No obstante, esto no es algo que haya que echarle en cara a Woody, pues lo viene haciendo desde hace tiempo. Incluso la ensalzada “Match point” adolecía de una falta de ritmo considerable que se le perdonó al bueno de Woody, así que no entiendo el varapalo crítico de esta nueva cinta. Es cierto que sobran líneas de diálogo de Farell diciendo “No puedo hacerlo”, y las relaciones entre los personajes no son del todo creíbles. La intención del neoyorkino es excelente, el contexto inmejorable, los diálogos muy pensados…pero fríos al fin y al cabo. Quizá lo que apunten muchos críticos sea cierto, y el hacer una película al año le esté pasando factura, pues el ambiguo personaje de Tom Wilkinson es lo más cercano al Woody Allen actor en este film (en lo sobreactuado, quiero decir), y eso no es una buena señal ya que se trata del que moralmente desencadena todo el drama. ¡Ah, se me olvidaba, también hay una doble de Scarlett Johansson por ahí danzando! Se conoce que la nueva musa de Allen tendría otros compromisos y el gafotas contrató a una que es igual a la rubia (al menos de lejos).

Sally Hawkins, pedazo de... descubrimiento

No obstante, la película tiene aciertos, y muchos. Para empezar, la primera composición musical original de la que hace uso Allen en toda su filmografía y que ilustra muy bien las secuencias (sobre todo la de esa torpe persecución, una de las mejores cosas de la cinta). A ello se le suma el descubrimiento de Sally Hawkins, actriz desconocida hasta la fecha que hace gala de belleza y frescura, si bien dispone de los diálogos más acartonados de toda la película. Por último, la puesta en escena no es del todo fallida, aunque sí maniquea. En algunos planos da la sensación de que Woody ha perdido el entusiasmo y tan solo hace la película por que le gustan cuatro secuencias concretas y necesita el resto para poder filmarlas. ¿Acaso no habríamos empatizado más con Ferry (Farrel) si se nos mostrase su decadencia en el juego mediante imágenes y no mediante palabras?. Esto habría ayudado a que la acción avanzase, aunque viendo el torpe desenlace final, quizá no era lo que Woody Allen pretendía. Se le reconoce sus buenas intenciones…Veremos su aventura catalana, la verdad es que acojona un poquillo.

Texto: Rubén Bautista

"LIO EMBARAZOSO". Con un freak bajo el brazo.

2007-11-07T12:05:00.001+01:00

"Oh, oh..."

Tras la reconfortante “Virgen a los 40” y a la espera de ver todavía la prometedora “Supersalidos”, la troupe capitaneada por Judd Apatow nos ha dejado una de las comedias más divertidas, humanas y bien medidas de los últimos meses (yo diría años). “Lio embarazoso” (en su versión original “Knocked up!”) está dirigida por el propio Apatow, responsable de que disfrutásemos de lo lindo con Steve Carrel y su depilación a la cera entre otras aventuras, y guionizada por Seth Rogen, uno de los nuevos gurús de la comedia americana y también protagonista de la cinta. El argumento no es ni mucho menos nuevo u original (¿o si?). Una prometedora presentadora de televisión es embarazada por un friki del quince que vive fumando porros y calculando los minutos exactos en que las actrices salen en pelotas en las películas. El punto de partida no es tan prometedor como su desarrollo, toda una suerte de gags ingeniosos pero no cargantes. Si por algo se caracteriza Apatow, que ya hizo en “Virgen a los 40”, es por presentarnos a un personaje principal inmaduro pero entrañable, quien no hace mal las cosas pero sencillamente no sabe hacerlas mejor.

Fijaos en la primera por la izquierda...

Sus personajes son pequeños niños grandes, inadaptados con los que cualquiera (hablo por mi), puede sentirse identificado. Después, el bueno de Judd los pone en un contexto que les es ajeno y así, como por arte de magia, surge tanto la comedia como el conflicto. Secuencias como la del polvo “embarazados” o aquella en la que Seth Rogen juega con los niños a modo de perritos son todo un logro dentro de un conjunto que no es tan disparatado, bestia y soez como aparenta. Si bien, existen personajes que contrarrestan los momentos más dramáticos (y a ratos emotivos, que no ñoños), estos no resultan forzados y constituyen una “tour de force” que representan la vida misma. Las conversaciones son terroríficamente naturales, aparentemente intrascendentes, a ratos incluso ridículas. Son como la vida misma. La pelea en el coche y posteriormente en la clínica (con rencor hacia las hormonas incluido), la paranoia de las setas (en uno de los pasajes quizá más aparatosos de la película, precisamente por su falta de adecuación al discurso y su excesiva verosimilitud) y demás situaciones nos demuestran que no todo en la comedia americana está perdido.

Apatow y su mujer, Mann... esperemos que no sea como en la peli

Además, las interpretaciones son coherentes a la vez que divertidas, logrando que cojas un gran cariño a los personajes (salvo a Leslie Mann, lo que resulta casi imposible) y suplen los pequeños baches de ritmo que sin duda la película tiene en su segunda mitad. Si algo le falta a este simpático grupo de freaks es saber mejorar el ritmo en sus producciones, pero aún así, esto no es ningún engorro. No se vosotros, pero a mi con tanto estrenito de esta gente me están entrando unas ganas terribles de ver las series de culto “Freaks and Geeks” o “Arrested development”, de donde sale esta gente, y que fueron un relativo fracaso en EE.UU. Sin duda eso es, en la mayoría de ocasiones, una buena señal. Seguiremos estando atentos a ellos.

Texto: Rubén Bautista

"STARDUST", post-épicidad sin pretensiones

2007-11-07T11:08:00.001+01:00

Claire Danes, resurgida (y estampada)

Hace ya casi dos semanas que llegó a nuestras pantallas (como diría Raquel Revuelta), la adaptación de “Stardust”, el libro ilustrado homónimo de Neil Gaiman (quien está haciendo su Agosto estos días pues en breves semanas también se estrenará “Beowulf”, de la que es guionista junto con Roger Avary). Dicho autor es conocido sobre todo por su trabajo “Sandman”, y debuta este año como productor para la pantalla grande con las películas antes citadas. En el caso de “Stardust” (y hablo de oídas, pues no he leido la obra de Gaiman), parece que el escritos se ha dejado llevar por las ínfulas Hollywoodienses al transgredir a medias una obra mucho más adulta. Aunque él está libre de culpa, ya que no se encarga del guión. No obstante, la película no carece en absoluto de interés.

Así, “Stardust” se plantea como un puro cuento al estilo de películas como “La princesa prometida”, con todos los elementos de éstos. Inverosímil a ratos, previsible desde el principio, infantil otras veces… la película nunca oculta lo que es. En este sentido, Matthew Vaugh (responsable de la muy recomendable “Layer Cake”), pone las cartas sobre la mesa desde el primer fotograma y nos invita a formar parte del juego, a que seamos crédulos y niños de nuevo.

Con esta bruja, Voldemort se acojona o se pone palote

En el terreno actoral, una inconmensurable Michelle Pfeiffer se come con patatas al resto de la plantilla (De Niro incluido, el cual solo tiene un papel anecdótico, entrañable a ratos, ridículo en otros, pero finalmente anecdótico) dando vida a una malvada bruja como Dios manda. La Pfeiffer se luce tanto en la parte final además de en secuencias como la de la posada, que respiran magia y leyenda, aunque no epicidad. Tampoco creo que sea lo que se busca. “Stardust” no es una enésima copia de “El señor de los anillos”, es otro rollo, más cercano a “Dentro de el laberinto”, por ejemplo. Por su parte, Claire Danes resplandece como siempre lo hizo, con la belleza de una chica real y no prefabricada como Sienna Miller (Victoria, la chica que el héroe pretende desde el principio). Dicho chico, Charlie Cox, llamado Tristan (otro topicazo permisible) sostiene el peso de la película de manera correcta, encarnando al héroe patán que debe conocerse a sí mismo, madurar y encontrar su verdadero amor. Además, podemos encontrarnos con un par de buenos y simpáticos cameos como el de Peter O´Toole o Rupert Everett.

De Niro poniéndole caras a la tetera

En el terreno técnico, destaca la bonita música de Llan Eshkeri, a la que le perdonamos el plagio descarado del leit motiv de “Drácula: de Bram Stoker”, una de esas creaciones que no sabes cuanto tiene de homenaje y cuanto de vergonzosa copia.
Por todo ello, “Stardust” es una bonita historia por la que dejarse llevar sin prejuicios (ni tan siquiera por que su canción final esté cantada por Take That), con la que sentirse de nuevo un tierno infante y disfrutar como antaño. Un cine sin más pretensión que el entretenimiento visto como el oficio más viejo, ilustrativo y arcaico del mundo.

Texto: Rubén Bautista

"SAW 4", para sentirse idiota perdido

2007-11-06T23:59:00.000+01:00

Hay que ser hijoputa para regalarle a tu hijo un muñeco asi

Recuerdo que en la carrera, mi profesor de guión cinematográfico, el mítico Gil Sánchez, se quejaba de los “giallos” italianos (es decir, esas películas deslumbrante en cuanto a lo visual y temático, si bien lo segundo no por motivos precisamente virtuosos) porque los desenlaces solían sustentarse sobre lo que muchos denominamos el: “Pasaba por aquí”. En ellas, el asesino o responsable del conflicto principal solía ser un personaje no presentado para el público, en un alarde de despropósito y engaño para subnormales. Pues bien, precisamente eso es “Saw 4”. Iba a poner “La película que nos ocupa”, pero esto no es siquiera eso.

Querian a Peter Coyote pero....

La cuarta entrega de la devaluada saga gore (siempre mantendré que la primera era decente e incluso entretenida) se sustenta bajo pilares sacados de la manga en el ultimo momento así como muertes injustificadas que ni tan siquiera tienen que ver con la trama principal (¡virgen santa, la policía atravesada por una flecha!). Con ello , se consigue un paso más hacia la mediocridad y la explicitud que ya se apuntaba con rottring del 5 en su predecesora (esa operación de sesos…). La jilichorrada comienza con una autopsia ultradetallada del pobre Jigsaw (todo el mundo sabe que si te rajan el cuello tienen que sacarte el estómago para baremar las causas de tu muerte…) y continua con un desfile de personajes a cada cual más estereotipado, mal definido y torpe. La narración tiene más flashbacks que las tres temporadas juntas de “Lost”, recordándonos cosas que habían sucedido hace 1 minuto. Y es que parece que este Darren Lynn Bousman cree que los espectadores somos como la Dori de “Buscando a Nemo” y no soportamos un recuerdo por más de ese tiempo. Por ello están continuamente repitiendo todo lo que pasa, a veces incluso de forma elegante con algunas transiciones, y la otra inmensa mayoría de veces (como en la parte final) de manera torpe e imperceptible (qué gran paradoja teniendo en cuenta el efectismo del… ¿discurso?). Así, la trama se hace incomprensible, falta de ritmo, incoherente e ininteligible. Y teniendo en cuenta lo que hay que entender… eso es muy grave. Del plantel de actores, ya ni hablo. Sólo se salva Tobin Bell. Da la sensación de que la saga esté tan desprestigiada por sus ansias de contentar a la masa descerebrada que necesiten de actorcillos que tengan tan poco trabajo como para aceptar su mismo papel en la siguiente entrega. Además, si los personajes ya de por si son planos, están interpretados de forma tan estereotipada que a simple vista puedes imaginar quien es el culpable. Todo esto, apoyado en un ¿guión? más cercano a un C.S.I. en chungo que a una película de terror y/o suspense y/o tensión (la cual no se genera en ningún momento, pues los personajes no te importan lo más mínimo). ¿Alguna forma de arreglar este pestiño? Usando el humor negro, cosa que no pasa durante ningún momento. Quizá piensen que el público es demasiado lerdo como para similar eso. Lo más terrorifico de todo esto es que quizá en el fondo tengan razón.

Texto: Rubén Bautista

"SUPERSALIDOS": El sexo como exaltación de la amistad

2007-11-06T14:35:00.000+01:00

La comedia es un género que tiende a subestimarse muy a menudo. Por no hablar de las películas de adolescentes y, para más inri, una cuyo título es "Supersalidos" no va a ser menos. A pesar de su desafortunada traducción, que no le hace demasiada justicia, "Superbad" no es ninguna secuela tardía de "American Pie" sino una producción de Judd Apatow, la nueva sensación de la comedia norteamericana y director de la divertida "Vírgen a los 40". De hecho, Apatow está en racha últimamente ya que, además del que nos ocupa, cuenta con otro estreno más en cartel: "Lío embarazoso", protagonizada también por Seth Rogen, actor y guionista junto a Evan Goldberg de "Supersalidos". Seth y Evan (cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia) son dos amigos sobrehormonados a punto de dejar atrás el instituto, algo inconcebible sin haberla metido antes en caliente. A partir de ahí, comienza una disparatada odisea en busca de alcohólicos afrodisíacos que les ayuden a cumplir sus deseos carnales. Para ello, se verán obligados a recurrir a los dudosos servicios de Fogell, alias "McLovin", un friki de mucho cuidado al que ya se están rifando en Hollywood. La historia nos resultará familiar a todos aquellos que conocemos o hemos conocido a algún McLovin a lo largo de nuestra vida, y es que, la mayor virtud de una película como "Supersalidos" estriba en su capacidad de empatizar con el público masculino (chicas, abstenerse otra vez) más allá de los estereotipos que nos presentaban las citadas "American Pie" de turno. Sin alcanzar la genialidad en sus diálogos de un Kevin Smith ni abusar de la escatología propia de los hermanos Farrelly, la gran pega de "Supersalidos" es la misma que en "Vírgen a los 40" y se trata de los altibajos en el ritmo que sufre hacia mitad. Afortunadamente, el film remonta, regalándonos un final muy sutil a la vez que emotivo. "Supersalidos" es, en resumidas cuentas, un canto a la amistad por encima del sexo, que tocará la fibra sensible del espectador libre de prejuicios con ganas de pasar un buen rato sin pensar en exceso. Ojo a los polis, son de lo mejorcito. Por cierto, recomiendo huir de su versión en castellano porque el doblaje es de lo más chungo que he oído en mucho tiempo.

Texto: Manu Riquelme

Maratón de Cine Fantástico y de Terror de Cotxeres de Sants

2007-10-24T15:08:00.000+02:00

Se acerca una nueva edición de la Maratón de Cine de Terror de Cotxeres de Sants, que tendrá lugar entre el 12 y el 18 del próximo mes de noviembre. Como cada año, Subfilms toma un papel protagonista en este evento, ya que Naxo Fiol y compañía se encargarán, entre otras cosas, de configurar la programación completa de la Sala B (o Sala de Video), de sugerir títulos para la sala principal y de hacer el fanzine oficial de la maratón, que no será otro que el nº 51 del Suburbio, en el que el Naxo y sus amigos reseñarán todos los films de la noche.

Es probable que se estrene en esta Maratón la creación conjunta de Naxo Fiol, Aratz Juanes y Víctor Olid bajo la denominación de Three Skulls Video, el largometraje "Cuentos de terror (sin sangre)".

Por otra parte, a Subfilms le han sido solicitados algunos cortos para rellenar la programación de festivales o incluso canales de televisión (satélite/tdt), como Neox. Entre estos es posible que se encuentre alguna de sus últimas creaciones, como "Escarnio de un snob del super 8", "Humanoides del laborismo" o "Érase una vez el diablo". Podéis conocer más datos sobre estos y otros cortos en Las pelis de Subfilms, el apartado de la web de Subfilms que incluye fichas de todos sus cortos.

Además de todo lo mencionado, Naxo Fiol mantiene su actividad al frente de Aquí vale todo, blog sobre "Cine, musica, comic, libros y otras formas de cultura populachera", y del Subblog, donde "cuenta sus batallitas".

Por último, os recuerdo que a finales del pasado mes de septiembre se publicaba el nº 50 del fanzine Suburbio, un total de 20 páginas, que podéis conseguir por tan sólo 1 euro contactando con Naxo, con los siguientes contenidos:
- Artículos:
"Mierdoil o tres meses apestando a gasofa" (la tortuosa desventura existencial del BOSS ejerciendo de gasolinero)
"Fat Mission" (el repaso a los tres cortos de la saga "Fat Mission" que el BOSS facturó en Single-8 entre 1988 y 1989)
"Una tarde con tío Quique" (el BOSS nos cuenta la experiencia que supuso grabar con el actor-director de cine de pipas setentero Joaquín Blanco, sí, aquel que salió en "Apocalipsis Caníbal" y dirigió la peli de porno-terror "Orgía Sádica")
"Tirón Cósmico" (una declaración de amor a las "horror movies")
"Al cine de vanguardia que le den por la retaguardia" (el BOSS se cuestiona la verdadera utilidad del cine underground original y echa babas hablando de George Kuchar)
- Robert Martex continúa narrando su emocionante vida como músico.
- un cómic de José Tomás (de la serie "Cortos para Cortos")
- otro del mismo BOSS (el regreso de su querido "Samuel, el anti-social")
- alguna que otra ilustración puntual (la portada misma, sin ir más lejos).

Texto: Alfonso CRLM

Más info:
www.subweb.es
www.cotxeres-casinet.org/marato/marato.htm